Svarvargatan 2, SE-112 49 Stockholm +46 (0)8-651 84 26 info@filmform.com Newsletter MORE

HIDE
IN SWEDISH

Filmformpriset 2023 – Jonelle Twum & Carl Johan De Geer

Jonelle Twum & Carl Johan De Geer

Välkommen till utdelningen av Filmformpriset som i år tilldelas filmskaparna Carl Johan De Geer och Jonelle Twum.

Två filmare som befinner sig i vitt skilda skeden i sina respektive konstnärskap: Jonelle är i begynnelsen av en filmskapande verksamhet; hon har visserligen gjort avtryck på många områden – inte minst genom sitt arbete med Black Archives Sweden – men de egna filmerna är ännu inte så många, medan Carl Johan – fortfarande aktiv i skilda konstnärliga sfärer – kan blicka tillbaka på en lång produktion av filmer och TV-serier. Det finns många skillnader mellan deras konstnärliga uttryck men också en del likheter: de är båda intresserade av att genom filmen ge ett nytt perspektiv på det invanda, att tvinga oss att se världen på nytt. Mer specifikt är de också sysselsatta med att se det enskilda livsödet som ett prisma för samhälleliga förhållanden där ojämlikhet och klyftor inte visar någon nåd.

Onsdagen den 29 november, med start kl 19.30 gästar Filmform Zita Folkets Bio för att tillsammans uppmärksamma Twums och De Geers konstnärskap.

OBS: Fri entré. OSA till info@filmform för att säkra en plats.

PROGRAM:

19.30 – Dörrarna öppnas till Salong 1, mingel i Zitas foajé
20.00 – Introduktion och prisutdelning
20.15 – Filmvisning:

Jonelle Twum, I Think of Silences When I Think of You, 2023, 9 min
Carl Johan De Geer, Stockholmssyndromet, 2002, 9 min

20.30 – Konstnärssamtal lett av Nathan Hamelberg (skribent)
21.00 – Programmet avslutas

Filmprogram:
Verk ur Filmforms distributionskatalog

1

I Think of Silences When I Think of You

Jonelle Twum

2023, 00:09:00

2

Stockholmssyndromet

Carl Johan De Geer

2002, 00:09:00

OM KONSTNÄRERNA OCH PRISET:

Carl Johan De Geer föddes 1938 i Montreal, Kanada och är sedan 1951 bosatt i Stockholm där han från det tidiga 60-talet varit verksam i en uppsjö olika medier som löper in och ut ur varandra. Från film, måleri, fotografi till affischkonst och textilformgivning, vidare in i musik, scenografi och litteratur. Alltid med en radikal och nyskapande blick på både form och innehåll. De senaste åren har hans konstnärskap visats på bland annat Thielska Galleriet, Stockholm, Norrköpings Konstmuseum och Bildmuseet i Umeå. Med en produktivitet och experimentlusta utan motstycke har De Geer haft en särskild förmåga att tillvarata och synliggöra det banala och förbisedda. Inte sällan med kameran riktad mot den självupplevda erfarenheten som en spegling av sociala och politiska förändringar i samhället i stort. Långt innan begreppet autofiktion blev ett modeord gjorde han sin egen biografi till utgångspunkt för svidande satiriska betraktelser över det svenska klassamhället i filmer som Mormor, Hitler och jag (2001), Stockholmssyndromet (2002) och Med kameran som tröst, del 2 (2004).

Jonelle Twum föddes 1992 i Värnamo och är idag baserad i Malmö där hon är verksam som regissör, producent, konstnärlig ledare och forskare. I sitt mångfacetterade arbete återkommer hon till frågor om mellanförskap och villkoren för osynliggjorda grupper från ett svart feministiskt perspektiv. Språk, röst och tystnad har stor vikt i hennes filmer där arkivbilder och nytt bildmaterial sammanfogas med det såväl skrivna som talade ordet i filmiska mosaiker. Jonelle Twum är grundare av Black Archives Sweden – ett samtida, levande arkiv som tar sin utgångspunkt i afrosvenskars historia, erfarenheter och minnen med syfte att vara en plats för inkludering och förändring. Hennes prisbelönta kortfilm En mammas kropp (2021) fick ett hedersomnämnande under Tempo dokumentärfilmsfestival 2021 och har blivit uppmärksammad både internationellt och i Sverige. Twum mottog samma år ANNA-priset – en utmärkelse instiftad av WIFT (Women in Film and Television), UN Women Sverige och Svenska Filminstitutet. Hon var en av curatorerna för (in)visible på Malmö Konstmuseum 2021 som visade på queera spår i samlingen, och deltog med egna verk i utställningen I staden växer ett fält på Malmö Konsthall 2022–23.

Filmformpriset instiftades 1995 och har sedan dess tilldelats personer som varit särskilt betydelsefulla i att utveckla rörlig bild som konstnärligt medium. Tidigare Filmformpristagare är Staffan Lamm & Jyoti Mistry 2022, Annika Eriksson 2021, Loulou Cherinet 2020, Katarina Löfström 2019, Eric M Nilsson 2018, Claes Söderquist 2015, Maja Borg & Christine Ödlund 2010, Mats Hjelm 2006, Cecilia Lundqvist 2004, Kjartan Slettemark 2003, Petra Lindholm 2002, Ann-Sofi Sidén 2001, Magnus Wallin 2000, Olle Hedman & Gunvor Nelson 1996 samt Antonie Frank Grahamsdaughter 1995.

Filmforms styrelse består av Lars Gustaf Andersson (ordförande), Lena Essling, Hanna Ljungh, Giorgiana Zacchia och Åsa Anesäter.

Read moreRead less

Filmform & aemi present: SÚITÚ

Morgan Quaintance, A Human Certainty, 2021, United Kingdom, 16mm transferred to digital, 20 minutes. Image courtesy of the artist and LUX London

A new touring programme curated by aemi (Artists’ & Experimental Moving Image) featuring contemporary moving image works by Irish & international artists. On Friday, October 6th starting 7 PM the programme will be screened at Filmform in Stockholm with the guest curator from aemi – Daniel Fitzpatrick as well as the artists Susan Hughes, Lisa Freeman and Holly Márie Parnell present.

aemi is an Irish organisation that supports and regularly presents programmes of moving image work by artists and experimental filmmakers. Since its formation in 2016, aemi’s key objective has been to provide support for Ireland-based artists working with the moving image to contribute to the development of infrastructure around these practices across the country. This includes artist support sessions, information clinics, mentorship, and programming, as well as collaborations and extensive touring with both national and international partners. aemi was founded by its co-directors, Alice Butler and Daniel Fitzpatrick and is supported by the Arts Council of Ireland.

CURATORIAL NOTE:

‘Súitú’ – an Irish language term pronounced Suet-two – signifies the sucking in-and-out sound made as the sea moves through stones at the shoreline, pulling them into water before rolling them back onto dry land. Evoking the elemental, the programme’s pacing picks up not just on the familiar ebbs and flow of the sea, but also the external forces that circumscribe contemporary lived experience. From inner psychological journeys to the phenomenological, the seven films in this programme together offer an emotional, embodied and sensory experience.

Featuring work by Fábio Andrade (Brazil), Susan Hughes (Northern Ireland), Morgan Quaintance (U.K.), Bárbara Lago (Argentina), Sofia Theodore-Pierce (U.S.A), Lisa Freeman (Ireland) and Holly Márie Parnell (Ireland), ‘Súitú’ is an aemi programme that forms connections between contemporary moving image work by Irish and international artists. aemi is touring ‘Súitú’ to venues nationally and internationally across 2023.

TRAILER:

PROGRAMME:

Fábio Andrade, Contorno/ Contour, 2021, Brazil, 10 minutes
Susan Hughes, Eyes Like Cats, 2022, Northern Ireland, 3 minutes
Morgan Quaintance, A Human Certainty, 2021, United Kingdom, 20 minutes
Bárbara Lago, Yon, 2021, Argentina, 8 minutes
Sofia Theodore-Pierce, Other Tidal Effects, 2021, USA, 7 minutes
Lisa Freeman, Hook, Spill, Cry Your Eyes Out, 2020, Ireland, 3 minutes
Holly Márie Parnell, Cabbage, 2023, Ireland, 28 minutes

Running time: 80 minutes (plus intermission)

PLEASE NOTE:

The ticket price is 50 SEK. RSVP to info@filmform.com in order to book a ticket. After booking you will receive information about the different payment options and confirmation. First come, first served. Limited amount of seats.

IN SWEDISH

Video Life (release och filmprogram)

Välkommen till release för Filmforms senaste utgåva – essän Video Life, författad av Emily Fahlén. Tisdagen den 12 september på Filmform. Essän och det anslutande filmprogrammet med samma namn som visas denna kväll presenteras inom ramen för ett omfattande digitaliseringsprojekt i vilket över 200 verk på analoga och digitala videoband i Filmforms arkiv har migrerats och restaurerats digitalt. Projektet har genomförts under 2022–2023 med Återstartsstöd från Statens kulturråd.

FILMPROGRAM (start kl. 19)

Video Life.
Performativ realism från den svenska DV-eran 1995–2010 (och ett historiskt undantag)

Ann-Sofi Sidén, QM at NK (a Queen of Mud Action) 1989, 4:37 min
Annika Ström, All My Dreams Have Come True, 2004, 1:40 min
Tobias Bernstrup, Tonight Live, 2000, 4:30 min
Magnus Wallin, Roll On, 1996, 5:48 min
Axel Petersén, Close to God / Far from Home, 2009, 10:47 min
Annika Eriksson, Stockholm Postmen’s Orchestra, 1996, 12:53 min
Peter Geschwind, Sound Cut, 2002, 1:06 min

Total speltid: 42 min

Annika Eriksson, Två män och ett får, 1995, (Berlin), 231 min. Visas i separat monitor

Visningen inleds med en kort presentation av Emily Fahlén (curator och skribent bakom Video Life). OBS: fri entré till filmvisningen, men föranmälan krävs till info@filmform.com då antalet platser är begränsat.

VIDEO LIFE
Om kamerans destabiliserande funktion i DV-eran

Författare:
Emily Fahlén

Översättning:
Benjamin Wagner

Projektledning, digitalisering:
Elsa Forsman & Tove Appelqvist

Redaktörer:
Andreas Bertman & Anna-Karin Larsson

Grafisk form:
Aron Kullander-Östling

Den fysiska utgåvan av essän kommer att finnas till försäljning under hela kvällen och kan även beställas via info@filmform.com (mer info kommer inom kort)

Filmprogram:
Verk ur Filmforms distributionskatalog

1

QM at NK (A Queen of Mud Action)

Ann-Sofi Sidén

1989, 00:04:27

2

All My Dreams Have Come True

Annika Ström

2004, 00:01:40

3

Close to God/Far from Home (Somewhere in Between Pop and Classical)

Axel Petersén

2009, 00:11:09

4

Sound Cut

Peter Geschwind

2002, 00:01:00

Filmform Albania Tour!

Ekrani i Artit poster

Filmform is honored to be invited to the art festival Ekrani i Artit in Shkodër, Albania where several works from the Filmform’s distribution catalogue will be screened and installed at various places around the city. The two part programmes at Kinema Millennium on June 1st (from 5PM) will be introduced by Anna-Karin Larsson & Andreas Bertman from Filmform who will also host a presentation of the organization and collection at Bulevard Art & Media Institute in Tirana on May 30th (from 7 PM). The programmes has been organized in collaboration with Art House Shkodër and with support from ArtNexus.

Please use the links below to the separate programmes for the latest updates.

Looped at the Bulevard Art & Media Institute on May 30th
Following the presentation which starts at 7PM

1

Buffalo Bill in 27 Forms

Carl Fredrik Reuterswärd

1957, 00:04:15

2

Ultramarina

Cecilia Edefalk

1984, 00:14:00

3

The Hour Of Meeting Evil Spirits

Johan Thurfjell

2022, 00:19:45

Looped at Bedstation, Shkodër on May 31th
Starting time 10PM

1

The Loner

Simon Skuteli

2011, 00:04:54

2

Pass This On

The Knife (Artist group)

2003, 00:03:45

Screened at Kinema Millenium, Shkodër on June 1st
Starting time 5PM

1

Studie III

Peter Weiss

1953, 00:05:00

2

MY NAME IS OONA

Gunvor Nelson

1969, 00:10:00

3

En dag i staden

Pontus Hultén & Hans Nordenström

1956, 00:19:00

4

På tunnelbanan

Catti Brandelius

2001, 00:04:10

5

For Their Eyes Only

Markus Öhrn

2010, 00:03:00

6

MAN

Maja Borg

2016, 00:12:25

7

Exit

Magnus Wallin

1997, 00:03:40

8

Whiteout

Katarina Löfström

2001, 00:03:41

9

Säsong

John Skoog

2019, 01:12:00

EKRANI I ARTIT 2023

The 6th edition of ‘Ekrani i Artit’ comes with some novelties, but also some returns. For the first time, the festival will have a whole day dedicated to film and video art from Sweden. This year, the screenings will be back to the space of “Kinema Millenium”, the place where EA started its journey 6 years ago, with the purpose of emphasizing the need that the film has for the movie theater as its natural home, likewise the need of it for the audience. EA continues to nurture its attention towards experimental film and video art and it’s delighted to continue for the seventh year now its longstanding collaboration with the International Short Film Festival Oberhausen

‘Art House’ is pleased to present the artistic director of this edition, the well-known curator and art critic, Edi Muka, who has expressed his enthusiasm for the invitation and commitment to ‘Ekrani i Artit’ 2023. ‘The program is a result of a dialogue process among the selection group. The films included within the program run through a common thread that emerges through two main features: the power of film as a narrative tool, and a special attention to ‘alternative perspectives’ that are all around us, and exist beyond what is conveyed as the dominant narrative on the world and society.’ said the artistic director of EA 2023, Edi Muka.

Narratives inspire, inform, but also build a process of reflection by introducing us to the past and enabling us to imagine the future. Narratives can also be misused, manipulated and turned into propaganda for power, whatever its form is. The program of this edition brings films and videos of artists from all over the world who convey untold or overlooked stories. They tell us about the legacy of colonialism on the world that we live in, about the marginalization of communities, the rise of racism in the system as well as the negative impacts on the environment. Also, the films disclose the hopeful efforts and achievements of various popular movements in search of social justice, giving way to the ‘poetry of the image’ and the fascination with the non-human world that surrounds us. The films of this edition will see the light in different venues such as ‘Kinema Millenium’, ‘Art House’ and ‘Civic Gallery of Shkoder’. While the magical power of song and dance unfolds in a special program which will be realized in ‘Bed Corner Station’, where the artists will collaborate with well-known singers of pop, hip-hop and electro music, who will be directly involved in the interpretation of the musical videos.

‘Ekrani i Artit’ will continue with its irreplaceable role as a meeting point for young Albanian artists, curators and professionals from around the world through the presentation of artistic portfolios as well as educational activities and workshops with children, carried out in collaboration between schools: ‘Ismail Qemali’ in Shkodër, ‘Istituto Schweizer’ in Termoli and ‘Istituto Comprensivo Costantino Nigra’, in Turin, which, under the supervision of the ‘Merz Foundation’, have worked around the creative poetics of the artist Marisa Merz.

Focus: Sweden

For the first time ‘Ekrani i Artit’ tries a new format – a program day dedicated to film and video from a specific artistic scene. Through the collaboration with the artists film archive, ‘Film Form’ and the Swedish Embassy in Tirana, EA will present a rich selection of historical and contemporary, experimental films and artistic documentaries by Swedish artists and filmmakers.

For this 6th edition, ‘Ekrani i Artit’ will hold two press conferences: on May 30, 2023, at 11:00 a.m. at ‘Art House’ in Shkodër and on May 31st, 2023, at 11:00 a.m. at ‘Bazament Art Space’ in Tirana.

‘Ekrani i Artit’ 2023 is supported by:

Municipality of Shkoder, Italian Institute of Culture, Goethe-Zentrum, Italian Embassy, Swedish Embassy, Film Form, Art Nexus, Art House, Kinema Millennium , Civic Gallery of Shkoder, Bedstation, Oberhausen Film Festival, Arka Youth Center, Merz Foundation, Coca Cola, Intesa San Paolo Bank, Atelier Youth Center, Ministry of Culture, Swedish Film Institute, Marubi Film Academy, Anima Pictures, Chantal Crousel Gallery, GR Gallery.

Read moreRead less
IN SWEDISH

Estetik och motstånd: Film och samtal med Peter Nestler

Peter & Zsóka Nestler, Zigeuner sein (Att vara zigenare), 1970

Peter Nestler är en av vår tids mest inflytelserika dokumentärfilmare. När den västtyska televisionen vägrade visa hans filmer emigrerade han 1966 till Sverige där han blev involverad i uppbyggnaden den nya kanalen TV2. Många av Peters filmer kom till i nära samarbete med hustrun Zsóka Nestler och det är filmskaparnas etiska hållning som är utgångspunkten för denna filmvisning med efterföljande samtal.

Filmform gästas av Peter Nestler som under dagen visar två av sina filmer följt av ett samtal med Dagmar Brunow, professor i filmvetenskap vid Linnéuniversitetet.

Nestlers dokumentärfilmer har bidragit till att förändra representationen av romer – från projektionsyta till aktivt handlande subjekt. Filmerna ger utrymme åt romers minnen och erfarenheter och åt den motståndskraft som romsk konst och estetik utgör. Peter och Zsóka Nestlers film Zigeuner sein (Att vara zigenare, 1970) är den första filmen i tysk dokumentärfilmshistoria som låter romer själva komma till tals. Filmens aktualitet är obruten. 2019 valde kuratorerna på konstmuseet Museum Ludwig i Köln just denna film som en kontrast mot en tavla från sina samlingar där romer reduceras till stereotyper. Och Peter Nestler använder sig av flera klipp ur denna film i sin senaste flerfaldigt prisbelönade Unrecht und widerstand (Orätt och motstånd, 2022) som porträtterar Romani Rose och den romska medborgarrättsrörelsen i Tyskland. Båda filmerna tar upp förföljelsen av romerna under Förintelsen och belyser kritiskt den nazistiska kontinuiteten efter kriget. Nestler framställer dock inte romer som bara offer utan lyfter fram konstens roll som motståndshandling, inte minst i Der offene blick (Den öppna blicken, 2022). I Filmforms programkväll ingår Peter och Zsóka Nestlers film från 1970.

Som förfilm visas stillbildsfilmen Väntan (Das warten, 1985). ”Efter andra världskriget köper Sveriges Radio ett omfattande stillbildsarkiv från Berlin. När detta arkiv 1985 skulle säljas vidare, gör Nestler i vad som förefaller ha varit en protest eller motståndshandling, den sex minuter långa Väntan (1985) med material från detta bestånd. Via en serie förtätade stillbilder och med atonal musik av Anton von Webern och Arnold Schönberg berättas här om en gruvolycka i tyska Schlesien den 9 juli 1930.” (Martin Grennberger, Magasinet Walden 2012)

OBSERVERA: Biljettpris är 50 kr. Du bokar en biljett genom att först OSA till info@filmform.com där du får information om hur du betalar för biljetten. Begränsat antal platser – först till kvarn gäller.

Symposium: Women’s International Experimental and Documentary Film Cultures

Mass Monument for a Capitalist Society, Åsa Sjöström, Sverige, 1976

Welcome to the symposium Women’s International Experimental and Documentary Film Cultures During the 1970’s at Filmform, April 25th 2023 6–7.30 PM (doors open 5.30).

The programme is organized in collaboration with Anna Stenport (University of Georgia, USA) and Scott MacKenzie (Queen’s University, Kanada) and John Sundholm (Stockholms universitet). The screening will be followed by a workshop at Stockholm University – Filmhuset Wednesday, April 26st (please contact Anna Stenport: anna.stenport@uga.edu for more information on the workshop)

WOMEN’S INTERNATIONAL EXPERIMENTAL AND DOCUMENTARY FILM CULTURES DURING THE 1970’S

The “long 1970s,” conceived as approximately 1967-1986 in Sweden and Canada, was a time where women’s filmmaking greatly expanded in Europe and North America, though most often through collectives, co-ops, activist networks, publicly funded television, and government organizations. In Canada, the NFB/ONF founded Studio D in 1974, a studio dedicated to films made by and about women, while SVT2 offered expanded opportunities and programming, especially for women documentarians, from its start in 1969. Outside government organizations or publicly funded television, collectives and organizations such as FilmForm, Filmverkstan, FilmCentrum, BioFem, Tjejfilm, and Svenska Kvinnors Filmförbund in Sweden, and Vidéographe (Montréal), Women in Focus (Vancouver), Canadian Filmmakers Distribution Center (CFMDC, Toronto), and Vtape (Toronto) in Canada provided production and distribution systems for films by women. This screening series explores the multiple film cultures surrounding this emergence, from women’s political film to animation, Indigenous documentary to experimental cinema, and their intersections.

PROGRAMME:

Rat Diet and Life in North America, Joyce Wieland, Kanada, 1968, 16 min (shown on 16mm)
Mass Monument for a Capitalist Society, Åsa Sjöström, Sverige, 1976, 14 min
Höghuset, Lilian Domec, Sverige, 1976, 10 min
Christmas at Moose Factory, Alanis Obamsawin, Kanada, 1971, 17 min (shown on 16mm)
Frame Line, Gunvor Nelson, Sverige, 1983, 22 min
Mötet med Flory, Christina Olofson, Sverige, 1985, 10 min.

Running time: 90 min (plus intermission)


Works distributed by Filmform

1

Höghuset

Lilian Domec

1976, 00:10:00

2

Mass - Monument for a Capitalist Society

Åsa Sjöström

1976, 00:14:00

3

FRAME LINE

Gunvor Nelson

1983, 00:22:00

Rat Diet and Life in North America, Joyce Wieland, Canada, 1968, 16 min.

ENG:

Combining satire and radical political commentary, Joyce Wieland’s Rat Life and Diet in North America is a riposte to American exceptionalism and expansionism, made upon Wieland’s return to Canada after some years living in New York and contributing to the emergent underground film movement. Wieland: “My political interests became evident in my film […] when I became anxious about Canada and the American takeover. The interest showed itself first in the art works and then went over into the film works and influenced them. Rat Life and Diet in North America is the first film I made that involved Canada as a subject and had any political reference. It is about coming back to Canada.”

SWE:

Genom en kombination av satir och radikal politisk kommentar ger Joyce Weilands Rat Life and Diet in North America ett motsvar till samtida amerikansk exceptionalism och expansion. Skapad när Wieland återvände till Kanada efter flera år i New York bidrar filmen till den alternativa filmkultur som växte fram i hemlandet vid den tiden. Wieland: “mina politiska intressen blev tydliga genom min film […] när jag blev nervös över det amerikanska övertagandet av Kanada. Det intresset blev först tydligt i min konst och fördes sedan över till filmskapandet och påverkade detta. Rat Life and Diet in North America är den första film jag gjorde som handlade om Kanada och hade någon politisk referensram. Det är en film om att komma tillbaka till Kanada.”

Mass Monument for a Capitalist Society, Åsa Sjöström, Sweden, 1976, 14 min.

ENG:

Mass was made during Sjöström’s years at the film department of the Royal College of Art, in cooperation with the London Filmmaker’s Co-op. Random or staged shots of people and settings in urban London are arranged and abstracted, double-exposed and solarized. The result is a dense texture filled with layers and associative dimensions. Mass is a film attempting to convey, by strictly filmic means, the cooped-up feeling of the individual in the mass of the city. The absurd concrete city landscape is visualized through the naked eye of the camera in a concentrated mosaic of images and sound.

SWE:

Sjöström filmade Mass Monument under sin vistelse vid Royal College of Art i London i samarbete med The London Filmmaker’s Co-op. Slumpmässiga och iscensatta sekvenser skildrar människor och platser i staden: arrangerade, abstraherade, dubbel-exponerade, och solariserade. Filmen har en sammansatt komposition i flera lager och med associativa dimensioner. Mass förmedlar på filmiskt vis trängsel och individens utsatta roll i stadens massa. Ett absurdistiskt stadslandskap växer fram genom kamerans nakna öga och förmedlar en koncentrerad mosaik av ljud och bild.

Höghuset, Lilian Domec, Sweden, 1976, 10 min.

ENG:

Lilian Domec’s animation, made in collaboration with Annty Landherr and Olle Hedman, portrays a number of people living in a high-rise building in a grey and dreary neighborhood, dreaming away. Here’s the housewife flying off in her hot air balloon, the boy who just wants to watch cowboy-flicks, a sea captain, and the little girl, who gets so angry because there’s nowhere to play on the car-filled streets and instead rides off on a hippopotamus.

SWE:

Domecs animation gjordes i samarbete med Annty Landherr och Olle Hedman och visar en grupp människors liv och drömmar mot bakgrund av ett grått och vardagligt höghusområde. En hemmafru flyger iväg i luftballong, en pojke vill se cowboy-filmer, där finns en strandsatt sjökapten, och en liten flicka vars ilska över saknaden av lekplatser på de bilfyllda gatorna gör att hon istället rider iväg på en flodhäst.

Christmas at Moose Factory, Alanis Obamsawin, Canada, 1971, 17 min.

ENG:

Released in 1971, this lyrical short documentary marked the directorial debut of legendary Abenaki director Alanis Obomsawin. Filmed at a residential school in northern Ontario, it is composed entirely of drawings by young Cree children and stories told by the children themselves. Listening has been at the core of Obomsawin’s practice since the very beginning. “Documentary film,” she said in a 2017 interview, “is the one place that our people can speak for themselves. I feel that the documentaries that I’ve been working on have been very valuable for the people, for our people to look at ourselves… and through that be able to make changes that really count for the future of our children to come.”

SWE:

Filmens premiär 1971 markerar starten på den berömda Abenaki-regissören Alanis Obomsawins karriär. Filmad på en internatskola i norra Ontario består filmen uteslutande av berättelser från och teckningar gjorda av barn från Cree-stammen, vilka skickats iväg hemifrån för att tvångsskolas. Att lyssna är en del av Obomswin’s praktik sedan starten. “Dokumentärfilm,” beskrev hon in en intervju från 2017, som “den plats där våra folk kan tala för sig själva. Jag känner det som om de dokumentärer jag arbetat med har varit oerhört värdefulla för våra stammar, så att våra folk kan se sig själva… och därmed verka för förändringar som verkligen betyder något för våra folks barn och deras barn.”

Frame Line, Gunvor Nelson, Sweden, 1983, 22 min.

ENG:

Frame Line is Nelson’s first collage film. The film that inaugurated her remarkable series of animated films, all made at the Filmworkshop in Stockholm. Frame Line is a reflection on Stockholm and Sweden, on Nelson’s return to her native country and a place that is both familiar and distant, both beautiful and ugly at the same time. Frame Line begins with images and glimpses of Stockholm that Nelson has collected, this audio-visual material develops into new image work in which animation becomes a way of discovering, alternating between randomness and structure. 

SWE:

Frame Line är Nelsons första kollagefilm. Filmen inledde regissörens anmärkningsvärda serie av animerade filmer som alla gjordes vid Filmverkstan i Stockholm. Frame Line reflekterar över Stockholm och Sverige, över Nelsons återvändande till sitt hemland och en plats som är både hemtan och främmande, både vacker och ful på samma gång. Frame Line börjar med bilder och sekvenser av Stockholm som Nelson samlat, vilket sedan övergår till experimentellt bildskapande där animation blir ett sätt att utforska, växlande mellan slumpmässighet och struktur.

Mötet med Flory, Christina Olofson, Sweden, 1985, 10 min.

ENG:

Flory Gate (1904-1998) was a close friend and neighbor of author Elin Wägner. After a divorce during the 1930s, Flory buys the farm next to Wägner’s in Småland. She moves there with her two children and begins to work the land to realize hers and Elin’s ideas around how to till the land. Flory feels like men have failed to build a vital civilization that accounts for nature. In the film, Flory and Sonja meet. Sonja is intrigued by Flory’s enthusiasm. She sees only darkness. What values should she transmit to her own son? During long walks in the wintry landscape, Flory shares her view, and that of Wägner and many other women, of what the future could be like. All growth happens while waiting: “watch nature,” Flory says.

SWE:

Flory Gate (1904-1998) var under många år nära väninna och granne med författaren Elin Wägner. Efter en skilsmässa i slutet av 1930-talet köper Flory en smålandsgård granne med Wägners. Dit flyttar hon med sina två barn och börjar arbeta med att förverkliga sina och Elins idéer om hur man skall bruka jorden. Flory känner det som att männen hade misslyckats i att bygga upp en livskraftig civilisation som tar hänsyn till naturen. I filmen möts Flory och Sonja. Sonja är förundrad över Florys entusiasm. Själv ser hon enbart mörker. Vilka värden skall hon kunna föra vidare till sin son? Flory och Sonja går långa promenader i det vintriga landskapet. Genom att berätta om vad hon, Flory, Wägner och många andra kvinnor stred för ger Flory också en bild av hur det skulle kunna se ut i framtiden. Allt växande sker under väntan; ”se på naturen” säger Flory.

Read moreRead less

Filmform in Tokyo!

Image Forum Logo

During two nights in April, Filmform will present the legacy of Swedish experimental film & video art at Image Forum, Tokyo. The two separate screenings will be introduced by Filmform’s Andreas Bertman and followed by a talk together with the writer Martin Grennberger.

The two programmes have been supported by the Scandinavia-Japan Sasakawa Foundation. With thanks to Image Forum and The Swedish Embassy in Tokyo.

April 19th, 9PM (local time)
Experimental film

1

Diagonalsymfonin

Viking Eggeling

1924, 00:08:27

2

SCHMEERGUNTZ

Gunvor Nelson & Dorothy Wiley

1966, 00:15:00

3

Enligt lag

Peter Weiss & Hans Nordenström

1957, 00:20:00

4

Nixon Visions

Hans (Esse Li) Esselius & Kjartan Slettemark

1971, 00:04:00

5

EMS nr 1

Ralph Lundsten

1966, 00:14:00

April 20th, 9PM (local time)
Video art

1

Whiteout

Katarina Löfström

2001, 00:03:41

2

Graders ökning

Christine Ödlund

2003, 00:04:13

3

Murmurs of Earth

Lars Arrhenius

2007, 00:07:15

4

Reconstruction

Lina Selander

2000, 00:06:30

5

2011 12 30

Leontine Arvidsson

2013, 00:02:53

6

Sound Cut

Peter Geschwind

2002, 00:01:00

7

Interbeing

Martina Hoogland Ivanow

2018, 00:10:40

8

Walk on a Stick and Cry

Peter Larsson

2014, 00:03:49

9

You Don’t Love Me Yet

Johanna Billing

2003, 00:07:43

(Teresa Wennberg’s Nuit Blanche, 1983, 7:23 min will shown in the video art programme on April 20th)

Filmform is one of the oldest organizations in the world devoted to video art and experimental film and was founded in 1950 in Stockholm, Sweden, originally as an independent film co-op. Later it was re-organized into a foundation and is now the most important driving force for artists’ films and videos in Sweden – working with archiving, distribution as well as dissemination of knowledge and information. Filmform is further an important intermediary between independent filmmakers and governmental agencies and is often engaged as an advisor to museums, galleries, universities, and festivals. Constantly expanding, the distribution catalogue spans from 1924 to the present, including works by Sweden’s most prominent artists and filmmakers within the field of moving images.

Filmform has its origin in the post-war generation of artists that experienced the cinema as a new and expanding creative field. In film – personal expression, free from the regulations of convention, could maintain its independence. Artists’ films – as well as videos later on – made it possible to connect to the world and to modern times. Filmform has been the hub of artists’ films and videos since several decades. Artists like Viking Eggeling, Peter Weiss and Gunvor Nelson have been important in this process, and new names are merging continuously. It is a beautiful coincidence that the first film that was planned when the association once formed in 1950 was called Vision. The vision of artists moving images is under constant review.

IN SWEDISH

Juan-Pedro Fabra Guemberena på Kulturhuset

True Colours: Border, Juan-Pedro Fabra Guemberena, 2002

Interbeing in group exhibition at Mona Foma

Interbeing, Martina Hoogland Ivanow, 2018

Interbeing by Martina Hoogland Ivanow will be shown as a loop in the exhibition Fantastic Futures at Mona Foma in Tasmania, Australia between the 17-19th February. The exhibition is a part of the Mona Foma Summer Festival that takes place actross Launceston and Nipaluna/Hobart 2023, curated by Emma Pike.

Programme:
Work distributed by Filmform

Interbeing

Martina Hoogland Ivanow

2018, 00:10:40

Fantastic Futures
The exhibition title Fantastic Futures is taken directly from marketing materials found at the college which were produced to encourage enrolment in the 1980s. It speaks to a community’s earnest desire for ‘coming-togetherness’ whilst acknowledging the impossibility of artificially fabricating such a thing. The show features thirteen works across video, audio visual installation and performance from a diverse group of artists. Several works are created through unlikely collaborations and successfully generate new communities through their development, while others express the desire for but failure to connect and the ramifications of this. Tongue in cheek interventions performed by local community groups inhabit the site providing commentary on artificial, commercial, and politicised ideas of community, from corporate team building to defunded community centres, place-making policies, and failed education systems.

– Emma Pike

Mona Foma has no permanent physical home. The festival functions as a site-specific enterprise across the island, clustered around its biggest cities in summer but tied to no single place. In this sense, like its seasonal cycle, the festival is ephemeral: a passing celebration of art, music and so forth. But held on land already steeped in thousands of years of Aboriginal culture.

No matter the sites we use for our festival in nipaluna (Hobart) and Launceston, or along the Midlands, our presence here is founded on a colonial structure, a system built on invasion of this place and dispossession of its people. It is clearly a contradiction to acknowledge that the land we hold our festival on was never ceded while continuing to use it, rent it from non-traditional owners, and invite festival-goers to meet us there.

[…]

– Mona Foma

Read moreRead less
LOADING